人类一般用四种方式掌握世界，即艺术的、宗教的、实践精神的和理论的（科学的）。艺术掌握世界的方式可以理解为人类以心灵观照世界整体的方式，同时也是人类进行艺术生产的方式。艺术它是一种意识形态，也是生产心态。我们认为，任何艺术，它的本质特性是审美的、创造性的意识形态；也是审美的创造性的生产形态。
艺术，是人类借助一定的物质材料和工具，借助一定的审美能力和技巧，在精神与物质材料、心灵与审美对象相互作用，相互结合的情况下，充满激情与活力的创造性劳动。
美术史是关于人类社会艺术发展的历史，一部美术史既是社会历史发展的形象化记录，也是不同视觉方式的展现。因为其视觉形象直观的特性，它展示的不仅是美的发展过程，也展示了不同地域、不同时代的人们在追求美的过程所显露的民族个性，不同的视觉方式——美的创造力水平；因为艺术的超时空特性，它给我们提供的不仅仅是历史的信息，还提供了不同形式的美的感受。
从传统美术发展到现代美术，西方所经历的是从古典的、再现的转向现代的、表现的的过程，而与之相反的中国美术的却是从古典的、表现的转向现代的、再现的的过程。因此，整部西方美术史我们可以首先把它一分为二，即分为传统的和现代的，其分水岭是后印象主义。也就是说，从古希腊到印象主义都属于传统艺术，其根本的特性就是古典的、再现的艺术，是以古希腊所建立起来艺术精神为基础再现客观现实的艺术，只是在不同的时期，不同的地域以及不同的种族，其发展形式不同，其中掀起三次发展高潮：古希腊罗马时期、意大利文艺复兴时期、十九世纪法国。第二阶段即从后印象主义开始，至现当代西方美术，这个阶段的特点就是现代的、表现的。在这个阶段，他们不再遵循古典艺术的原则，也不再以再现客观对象为目的，在很大程度受现代美学、心理学以及东方艺术的影响，突破了传统的客观模写自然的观念，走向主观精神表现，在创作中倾注更多的主观感情因素，建立全新的艺术观念，形成了一个开放的、多元化的局面，这就是西方现代艺术。因此，我们在理解和解读西方美术时，对传统艺术和现代艺术应有不同的审美原则和方式，不能在以对客观自然的再现程度来衡量现代艺术。
在西方传统艺术阶段又存在两种大的审美类型，即古希腊罗马式的古典类型和希伯莱基督教式的中世纪类型，两者之间在表面形式上是针锋相对的，其实也存在一定的共同性。前者发展了一种以“形式”为中心概念的希腊式的美学价值，后者发展了一种以“光和色彩”为中心概念的基督教美学价值，正是这两种美学价值在西方以后发展历史中表现出的有时是相互对立，又是由是相互渗透的过程即构成了西方传统美术的发展历史。因此，在学习过程中我们应很好地把握这两个时期的艺术精神，这是理解整个西方传统艺术的基础。
原始美术编辑本段回目录
美术品究竟从什么时候产生的呢？我们认为它是与人类同时产生的。人类为了生存和发展，不断开发自己的头脑和发达双手，在漫长的岁月里不仅创造了维持生存的物质财富，也创造了丰富的精神财富——绘画、雕塑和音乐、舞蹈。人类脱离一般动物的标志是人能够依靠双手劳动来维持生存，最早制造的劳动工具从广义上讲它就属于美术品，因为它包含着人类的智慧和创造。但是我们现在论及的美术品是从旧石器时代开始，原始美术包括洞窟壁画、岩画、雕塑、建筑等，大多数现已发现的美术作品集中在欧洲，分别属于旧石器时代、中石器时代、和新石器时代。原始人类留存下来的洞窟壁画、岩壁浮雕和各种小雕像谱写了人类最早的美术篇章。
旧石器时代美术
真正意义上的美术品产生于原始社会蓬勃发展的旧石器时代的晚期——奥瑞纳文化期。旧石器时代指公元前100万年到两万年之间，公元3万年前属奥瑞纳文化期，公元2万5千年前属索鲁特文化期，公元2万年前属马格德林文化期。由于当时冰雪覆盖大地，为避寒原始人类都居住在洞穴中，所以在远古的洞穴中留存下他们的绘画和雕刻创造。
旧石器时代美术的特点：表现内容皆以动物为主，手法生动写实。其中最突出的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画；迄今为止发现的原始雕塑大多数为小型的动物雕塑，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位。这些女性雕像强调夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始时期人们对于母性和生殖的崇拜。发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》（原始的维纳斯）和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。
中石器时代美术
由于冰河的消退，气候逐渐转暖，中石器时代的绘画由洞窟转移到露天岩壁。随着人类狩猎工具的进步，对大自然的征服力的增强，动物形象在绘画中逐渐减少并失去原始的野心，而人类活动开始成为绘画的主要对象。
新石器时代美术
新石器时代美术成就主要是巨石建筑。这是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念建筑。巨石建筑盛行于欧洲，包括石柱、石台、石栏等形式。英格兰南部的圆型巨石栏“斯通亨治”（Stonehenge）是典型的代表。
令现代人不可思议的是，原始人为什么要画画呢？是否也像我们现代人装饰、美化居住环境呢？或者是为了欣赏？原始人没有现代人那么多闲工夫去欣赏艺术，他们作画都是为了生存的实用。他们画动物目的在于识别动物而去猎获动物。也有专家认为，可能是原始人出猎前，为了保证打猎成功而举行狩猎仪式，这种仪式是一种巫术。我们在画中动物的身上发现画有投掷器的箭头，类似长矛。由此推想，可能原始人认为，如果他们只要画出所要猎获的动物的画来，而且可能是用投枪和石斧击打着画中的动物，真实的动物也同样会屈服于他们的威力。所以原始人视绘画为魔力，相信画什么就能征服什么。据说，有一位现代画家去一个原始部落画画，画了他们的动物，他们很难过，表示的意思是：你们把它带走了，我们怎么生活呢？
在原始社会里，艺术的目的首先是为了满足人们的某种需要而产生的，它们不是一开始就被当作纯粹的艺术品，而是当作有明确用途的东西。所以产生了多种关于艺术起源的理论。
巫术说
原始人经常遭受自然界的袭击，对自然的一切现象都感到神秘，难以理解，企图发明各种能支配自然力的东西，如假面、泥人、雕刻、图画……这些发明都是企图用一种独特的形式去控制各种可怕的自然力量。首创人应推英国人类学家爱德华·泰勒（Edward Tylor）和弗雷泽（Fames Frazer）等人。泰勒在他的《原始文化》中提到“野蛮人的世界观就是给一切现象凭空加上一些无所不在的人格化的神灵的任性作用。……古代的野蛮让这些幻象来塞满自己的住宅，周围的环境，广大的地面和天空。”
游戏说
这一理论的首创人是席勒和斯宾塞。席勒认为人类审美观念的产生是人类脱离动物界的标志；斯宾塞进一步明确并发挥席勒的观点，认为游戏和艺术都是过剩精力的发泄，美感起源于游戏的冲动。正如各类动物都有游戏活动一样，原始人类在劳动之余也要游戏的，要唱歌、跳舞、画画，把生活中看到和感受到的形象用画或刻的手段在想到岩石上、沙土、树木等地方，画的过程是游戏的过程，画完之后的欣赏也是一种游戏。
摹仿说
这大概是最古老的一种关于艺术起源的理论，但和上述两种理论相比，影响较小。公元前六世纪的古希腊哲学家赫拉克里特、德谟克里特、苏格拉底和柏拉图等人都有过关于艺术摹仿自然的提法，但把它作为较系统的理论提出来的则是亚里士多德。他的艺术发生学的理论同他的艺术创作原理是完全一致的，即对西方艺术和艺术理论发生了巨大影响的“艺术摹仿说”，认为人类在与自然的交往中，越来越多的识别各类动植物，识别能力的提高导致了对它们的摹仿。
除此之外，还有诸如劳动说、装饰说等等。
事实上，原始美术之所以成为艺术，不是由于那些制造这些物品的原始人们，而是由于那些购买和收藏它的欧洲人。它之所以是艺术，并非是因为那些制造和使用它的人说它是，它是由外来的宣判成了艺术。
在原始艺术是不是艺术的探讨中，原来一直有两种解释，一种是主观主义的解释，即用现代欧洲人对“艺术”品的要求标准（如：个性、独创性、表现性等）去衡量原始艺术品，往往会得出原始艺术是艺术的结论。另外一种是客观主义的解释，主要是社会学家、人类学家的看法，他们把原始艺术放在特定的社会政治、宗教文化背景下考察，认为原是艺术一般主要执行政治、宗教、经济等功能，而缺少审美功能，因而不是艺术。后来，当代美国分析哲学、美学的一位后起之秀布洛克（Gen Blocker），在批评了两种解释的片面性，清除了他们两方面加给原始艺术品概念的不正确涵义，同时吸收了二者的合理性，提出“经过修改的客观主义”原则，既顾及原始艺术的特定社会文化内涵，也估计其审美艺术特质的客观存在；既承认原始艺术产生时所包含的非审美功能，也注意发掘当时条件下原始艺术所包含的审美功能，从而得出原始艺术是艺术的结论，颇得信服。
原始绘画中所描绘的动物形象如此准确，连现代人都难以做到，这表明原始人终生同动物打交道，对动物的形象、习性非常熟悉，闭目如在眼前，所以才能画得那么真实、生动，由此开创了西方以实用为目的的写实主义艺术传统。
古代美术编辑本段回目录
古埃及在公元前4000年左右出现了奴隶制国家，到公元前3000年，上埃及国王美尼斯征服了下埃及，建立了统一专制的王朝。国王被尊为法老，既是人间的君主，又是太阳神的儿子，统治者们利用宗教神秘的力量来统治国家。此后，埃及经历了古王国（公元前3000年——公元前2300年）、中王国（公元前2150年——公元前1200年）、新王国（公元前1071年——公元前332年） 三个统治时期。
前王朝时期埃及犹处于铜石并用时代，已有城市和最早文字，各小国兼并走向统一大国。早期王朝的第1王朝首次完成全国统一，宣告了古埃及文明的成熟。古王国时期是古埃及文明的第一个发展高峰，铜石并用文化达于繁盛，金字塔的建造、文字的完善、生产技术的提高与艺术的精美，使埃及文明进入世界古代文明的前列。经第一中间期而到中王国时期，埃及进入青铜时代，这时不再建造金字塔，神庙建筑和岩窟墓流行，文字也由圣书体向僧侣体演变。到新王国时期，埃及成为东方帝国，青铜文明达于全盛，首都底比斯的阿蒙神庙、王陵之谷及尼罗河西岸墓地的数以千计的墓葬，构成古埃及文物的大宗。这时雕像、壁画遗存丰富，技艺完美，建筑工程和各类工艺品反映了古埃及生产技术的最高水平。新王国时期留下的众多铭文、纸草文献和丰富文物构成埃及学研究的主要内容。后王朝阶段埃及与欧洲接触渐多，古希腊文献反映的材料丰富了埃及学的内容。希腊人统治埃及时期，埃及文化和希腊文化进一步融合，此时留下的罗塞塔石碑因有古埃及文与希腊文对照，成为法国学者商博良释读埃及古文字的钥匙。
由于国家的出现，国家权力决定艺术的发展，艺术为国家政权服务，另外，就是为满足统治阶级的精神需求。这是艺术在当时的两个作用，为了神化法老和贵族，在题材和表现方法上必须严格服从统治者的要求，这就从根本上决定了艺术的基本法则和程式，并且迫使艺术家用梅花的方法来表现对象。
因为宗教对埃及的影响很大，埃及人是虔诚的宗教信徒，甚至法老也必须借助宗教的力量来统治国家。埃及人相信“灵魂永生”，认为人在肉体死后，灵魂不灭，只要尸体保存完好，灵魂可以得到永生。因此，当时的雕塑家被认为是能让人永生的人，艺术受宗教的影响很大。
封闭的地域，封闭的民族，其艺术形式单一，在三千多年的历史里，埃及艺术几乎没有多大的变化。无论是绘画还是浮雕，也无论哪一种事物，他们都从它最具有特的角度去表现。只有一个人曾经动摇过古埃及风格的铁门槛，他是第十八王朝的一个国王，第十八王朝在所谓的“新王国”时期，那是古埃及遭到严重入侵之后建立的，这个国王叫埃赫拉顿，是个异端派，他的艺术打破以往的庄严、肃穆，更多生活气息性，但这一行趋向没有持续多久，其代表作品有《涅菲尔蒂》。
几何形式的规整和对自然的犀利观察二者相结合，这是古埃及艺术的特点。
在古埃及的艺术里，“装饰”这个词可能很难使用，因为除了死者的灵魂以外，这种艺术无意给别人观看，事实上，那些作品也不想让人欣赏，他们只意在“使人生存”。在残忍的上古时期曾经有个惯例，有权势的人物死后，任他们的仆役和奴隶陪葬。牺牲他们为的是让死者带着一批合适的随从进入冥界。后来，这些恐怖行径不是被认为太残忍，就是被认为太奢侈，于是艺术就来帮忙，把图像献给人间的伟大人物，以此代替活生生的仆役。在古埃及的坟墓中发现的图画和模型就跟着种想法有关，为的是让灵魂在另一个世界有得力的伙伴。
英国艺术理论家赫伯特?理德说，“整个艺术史是一部关于视觉方式的历史，关于人类观看世界所采用的各种不同方法的历史。”从埃及艺术中我们可以看到，埃及人同我们的今天的艺术家在观看世界的方式上确实有许多差异。埃及人遵循严格的法则，采用几乎千年固定不变的手法进行创作，他们不太讲究画面的美观，更看重的是画面的包罗无遗，把美术作为尽可能清晰地记录事件的手段。埃及艺术不以艺术家在一个特定的时刻所看到的对象为基础进行创作，而以艺术家所知道和固有的东西为基础．即是说不以观察为基础，而以头脑中的概念为基础进行创作，我们称之为概念写实性，这就是埃及艺术的第一个重要特点。
埃及艺术第二个特点是稳定性相纪念性。
在古埃及浮雕和壁画有着共同的程式：
- 正面律：表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面；
- 横带状排列结构，用水平线划分；
- 根据人物的尊卑安排比例大小和构图位置；
- 填塞法，画面充实，不留空白；
- 固定的色彩程式：男子皮肤为褐色，女子为浅褐或淡黄，头发为蓝黑，眼圈为黑色。
雕塑的程式在古王国就已形成，以后被当作典范沿袭下来：
- 姿势必须保持直立，双臂紧靠躯干，正面直对观众；
- 根据人物尊卑决定比例大小；
- 人物着重刻划头部，其他部位非常简略；
- 面部轮廓写实，有理想化修饰，表情庄严，几乎没有表情；
- 雕塑着色，眼圈描黑，有的眼球用水晶、石英材料镶嵌，以达到逼真的效果。
中世纪美术编辑本段回目录
自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。文艺复兴时期意大利人为了反对宗教神权统治，推崇古希腊罗马的文化传统，并且认为从罗马帝国覆灭之后，到文艺复兴之间的历史时期是野蛮黑暗的时代，是处于文明与复兴之间的时代，故称“中世纪”，后来这一名称被历史学家沿袭下来。
在欧洲中世纪文化中，基督教的影响占有统治地位，决定了当时社会生活方式和社会意识形态，艺术也不可避免地具有浓厚的宗教色彩，充当着上帝与教会的代言人。因此，也有人将中世纪美术称为基督教美术。但是，中世纪艺术仍然是丰富多彩的，是多种文化源流的综合，并为近代欧洲文化的发展奠定了基础。基督教起源于中东，当它作为一种文化形态在欧洲却确立时，也带来了东方的一些文化特征。同时，古罗马帝国在接受基督教文化时，并不可能完全放弃已经根深蒂固的古希腊罗马的文化传统，尤其是建筑、雕刻和绘画等式样上，而且有一个漫长的融合改造的过程。
最后，基督教在地中海沿岸确立后，在向西欧扩张的过程中，又吸收了当地的文化成分，即所谓“蛮族艺术”，产生了一些新的样式。直到公元10世纪前后，才形成相对统一的基督教艺术风格。因此，欧洲中世纪美术不能单纯理解为宗教美术，而是在东方文化、古希腊文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教美术。
在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位以前，基督教曾经长期遭受罗马帝国镇压，基督教的活动都是地下进行的。
当君士坦丁宣布这一新宗教为国教时，罗马帝国已处于分崩离析的前夜，基督教作为下层人民的信仰和意识，为结束古罗马的千年帝国起了推波助澜的作用，取得合法地位之后，又作为统治者的工具来控制人民的思想。早期基督教艺术就反映了这个过渡时期的一些典型特征。
早期基督教艺术（公元2世纪——公元5世纪）
一般来说，所谓的“早期基督教艺术”是指从基督教诞生到公元五世纪后半所产生的整个东罗马帝国与西罗马帝国的基督教艺术。
在公元 64 年，罗马发生了一场大火，尼罗皇帝（Nero，公元 54 —— 68 年）把这场灾难归咎到基督教的身上，并把当时的基督教领袖保罗斩首。随后的几位皇帝对基督教有的抱持着包容的态度，有的则企图把它铲除。到了公元313 年， 君士坦丁大帝（Constantine I ，公元 306 —— 337 年）颁布《米兰诏书》﹝Edict of Milan﹞，实行宗教信仰自由，于是基督教开始了它与罗马帝国政权的结合，并且彻底改变了往后欧洲文化的发展。
由于罗马帝国不断衰败，东部边界又不断受到外族人的骚扰，君士坦丁大帝在公元 330 年为了确保护帝国的安全，于是把首都从罗马东移到希腊人的拜占庭，并改其名为君士坦丁堡，也就是现今土耳其的伊斯坦堡。
这项迁都措施不仅延续了罗马帝国的生命，更象征了基督教的势力扩展到了“东方”。自从迁都之后，西方的罗马帝国却频频遭到北方野蛮部落的侵略，民不聊生，到了公元 476 年便彻底灭亡了；相反地，东方的罗马帝国在查士丁尼一世（Justinian I，公元 527 —— 556 年）的统治下，却发展成为一个强大的以基督教为精神力量的拜占庭帝国。
基督教在公元1世纪开始秘密流传于罗马帝国的疆域。因为处于非法地位，信徒只能在私宅邸举行宗教仪式，这种早期的秘密宗教场所被称为“民古教堂”。后来为了逃避官方的搜查，这种仪式便转移到一种公共的地下墓穴，这种墓穴是用于合葬基督徒的，在墓窟的天顶和墙壁上画满了各种圣经题材的壁画，因此它成为早期基督教艺术的宝库。地下墓室壁画的题材多取自圣经，采用隐喻性和象征性手法，画中的形象往往是双关的。例如鱼和善良的牧羊人表示基督，鸽子表示圣灵，孔雀代表永恒，心象征博爱等等。这些墓室壁画虽然表现形式不同，但都有一个共同的特点，即试图用新的手法来表现抽象的灵魂和对宗教的虔诚，而 不在乎所画的形象是否真实生动，故有的作品显得抽象，古怪，不够自然和谐。
拜占庭美术（公元5世纪——公元15世纪）
君士坦丁大帝迁都拜占庭后，罗马帝国即埋下了分裂的种子，至395年狄奥多西皇帝把帝国分给他的两个儿子，各掌东西部分时，帝国正式分裂。东罗马帝国又称拜占庭帝国，因未受列蛮族的侵扰，政治经济都比较稳定，国家繁荣，其疆域包括希腊、小亚细亚、叙利亚及意大利北部的一部分。这些领土大部分为古希腊文化发达的地区，古代艺术的传统影响相当广泛。东罗马帝国信仰基督教中的东正教，同罗马教会不同之处是，东正教将皇权和宗教偶像集于皇帝一身，教会隶属于国家，皇帝既是国家的主宰，又是上帝意志的代表。拜占庭艺术在王权的支持下带有较多的世俗特点，显得比较宏伟富丽。同时，由于东正教思想的控制，并部分继承了古代艺术的传统，拜占庭艺术形成了一套严格的程式化的艺术形式，艺术形象显得刻板、威严而富有永恒的精神力量。拜占庭艺术主要包括建筑、镶嵌面、圣像画和雕刻。
拜占庭艺术的第一个繁荣时期是公元6世纪查士丁尼大帝执政时期。这位皇帝曾一度恢复了包括意大利和北非在内的罗马帝国的领土，为炫耀功绩，他在君士坦丁堡和意大利的拉文纳城大兴土木，倡导艺术。这一时期的重要建筑有圣索菲亚教堂和圣维塔尔教堂。
公元七世纪，拜占庭帝国失去了中东意大利、西班牙等地，经济文化大大衰颓下来，八世纪又发生了“圣像破坏运动”，拜占庭艺术经历了严重的危机，处于一个低潮阶段。
拜占庭美术的第二个繁荣时期是马其顿王朝时期（公元842——公元1057）。这个时期帝国经济恢复，矛盾缓和，圣像破坏运动停止，教堂里又出现了新的宗教画。教堂建筑形成了固定的格式及系统，从而能更好地宣传神权思想与禁欲主义，建筑中十字形圆穹教堂占了统治地位。十一、十二世纪更趋成熟，五个穹隆顶的教堂成为最完美的体现基督教思想的建筑形式，外形匀称，主次分别，丰富和谐，中间最高的穹隆突出王权和宗教统一的思想，内部装饰所严格遵守的体系是：耶稣与帝君被同样描绘在主穹隆位置，四天使守四方，福音传道在两边，其它墙面是圣徒的故事；祭坛宝座上是圣母，下面试教会长者圣餐的场面，整个组成一个金字塔形，直到最顶点是基督的巨大形体，表示坚定不移的宗教秩序。
镶嵌画在拜占庭艺术中占有特殊的地位，这种以小块彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画成为教堂内部装饰的主要形式，其中以圣维他尔教堂的镶嵌画最为知名。
蛮族艺术和加罗林文艺复兴（公元5世纪——公元11世纪）
公元五世纪，来自北方、东方的汪达尔人、日耳曼人等游牧民族部落，大规模迁徙到罗马帝国核心地区，最终导致了西罗马帝国的灭亡。由于这些民族尚处于原始公社的生产水平，经济文化远落后于罗马，故被称为“蛮族”。在这个时期，欧洲进入一个政治动荡，战事频繁，民族迁徙，宗教蔓延，经济停滞的漫长年代，欧洲人也把这段时期称为“黑暗时期”。在这段时期里，西方文明的步伐向前迈得很慢，美术同样没有多大发展。
从另一个角度来说，“蛮族”的入侵推动了历史的前进，他们摧毁了罗马高度发达但已渐趋衰败的奴隶制度，最终确立了封建制度在欧洲的地位，特别是在文化意识和艺术创造上为欧洲输入了新鲜血液。
在这段“黑暗时期”的五百年时间里，除拜占庭帝国沿着罗马美术的线索，揉进了大量东方艺术的养料，又有一定程度的发展，欧洲其它各地的美术面貌大致包括三个发方面的内容：一、迁徙者的美术；二、各地乡土人的民间美术；三、陆续传到各地的基督教美术。
公元四世纪，欧洲东部遭到匈奴人的袭击，引起被称为蛮族的日耳曼人的民族大迁徙，蛮族也包括高卢人和斯拉夫人。首先是生活在黑海北岸的日耳曼人的一支哥特人在匈奴威力下的西迁，引发持续二百多年的欧洲各“蛮族”的民族大迁徙运动。所以迁徙者的美术便包括两个方面的内容：一是现有匈奴带来的含有中亚和波斯因素的纯东方风格的美术，这种风格在哥特人中产生了影响；二是哥特人在迁徙的过程中，又把这含有东方风格的本民族的美术带到了各地。由于作为日耳曼语族的哥特人是德国人的祖先和主体民族，其美术内容有多为动物的几何纹样，有被称作“德国动物风格”。这种风格不像古希腊那样写实具象，多用线条组成的半抽象图案，相当夸张且含有极浓厚的抽象因素。
在“黑暗时期”出现的这种风格说明了一个转变：即古希腊罗马的写实性美术，因民族大迁徙的交流及基督教的传播，而使西方美术逐渐脱离了写实传统，直到文艺复兴时代，才从更高的层次上回到写实主义的道路。
查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁盛，在文化上恢复罗马的传统。他召集了一批文人学者在首都阿琛收集整理古籍，让艺术家仿照古典样式进行创作，以宫廷为中心形成了复兴古典文化的潮流，历史上称为“加洛林文艺复兴”。当着艺复兴是短暂的，而且仅限于宫廷艺术，只是对拜占庭美术的临摹和仿造，至今保存下来的也很少。
阿琛王宫是查理曼时代最重要的建筑工程，为了体现复古的愿望，王宫教堂的设计以拉文纳的圣维他耳教堂为蓝本，平面布局和结构基本上保持了圣维他耳的特点，但更偏重于统一性和整体性，显得庄重严肃。
罗马式美术（公元10世纪——12世纪）
十世纪以后，西欧经济水平提高，封建制度稳固，作为社会精神支柱的教会势力也与贵族力量并行发展，特别是修道院制度更为完备。十字军东征和大规模的传教活动扩充了教会的势力和影响。对圣人遗物的崇拜想起了到各地朝圣的热潮。经济的发展和宗教的狂热实行的教堂和修道院层出不穷。
罗马式美术又叫仿罗马美术。在查理曼时代便排除许多人去罗马学艺，模仿罗马的建筑来修建教堂，为了追求更加壮观的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马时代的纪念碑式雕刻来装饰教堂，因此，这个时代的风格被称为“罗马式”。
罗马式教堂把巴西利卡式的木架结构改成石架屋顶，这样既防火有牢固，并用卷拱顶形式以减轻屋顶对墙面的压力。外观很象封建堡垒，墙厚、窗小，前后配置塔楼。几乎所有欧洲国家都建有这类罗马式教堂，向法国的圣塞尔南教堂、英国的杜勒姆主教堂、法国的圣基列阿达教堂都是典型的罗马式建筑，而最典型的莫过于意大利的比萨达教堂建筑群，其中包括著名的比萨斜塔。
哥特式美术（公元12世纪——15世纪）
意大利文艺复兴的学者把十二、十三世纪到他们时代之间的艺术成为“哥特式”（“哥特式”一词原从哥特族而出，古人以之形容一切野蛮、陈旧、丑恶的东西。）他们认为那都是“蛮族人”哥特人所为。事实上，这种艺术可以说与哥特人没有多大关系。
由于经院哲学的高度理性化，要求对交易的解释和形象再现必须遵循雅各的规则和秩序，作为教堂主要装饰的一些艺术形式必须依循固定程式的布局，同时装饰雕刻在此时期也呈现出越来越多的独立化倾向，表现手法也越来越写实，逐步摆脱建筑结构的局限，自觉地模仿自然形象，特别是追求感情的表现，形成了所谓“哥特式现实主义”。为文艺复兴的到来奠定了一定的基础。
哥特式教堂即兼有理性与神性的双重特性，又有宗教与世俗的双重精神，受到僧侣与市民的双方支持，使它于十二、十三世纪盛行欧洲各地。
光、高、数这三要素在基督教中是至关重要的。光是与神灵之光相关联的；高则能与天堂联系在一起；不同的数又包含有不同的宗教教义，如一是代表上帝的数字，三与三位一体有关，七是上帝创造万物的时间，也有七德七罪之说，十二是基督的十二个门徒，十三时最后的晚餐出现的数字……等等。哥特时期的建筑师要在自己的教堂设计中综合体现“光”、“高”、“数”这三个因素所代表的不同涵义，这就是为什么哥特式教堂盖得不仅高大，而且窗户开得很多，结构十分复杂的思想原因之一。从社会的原因来看，教堂除了举行宗教仪式，也常常是国家和城市举行庆典的场所，要求能容纳更多的人，能体现国家与民族强盛向上的思想和愿望，所以也希望把教堂盖得高大、宽敞、明亮。
哥特式教堂不仅是中世纪江苏的最高成就，也是中世纪美术的最高体现。
巴黎圣母院是哥特式美术中的代表作品，它不仅作为当时最重要的宗教活动中心，而且也以建筑上的高超水平而饮誉欧洲。还有法国的夏特尔大教堂也是著名的哥特式建筑。
“哥特式现实主义”表明了中世纪艺术越来越向世俗化和现实化方向发展了。同时也已趋于中世纪的尾声。文艺复兴美术编辑本段回目录
文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其涵义还要宽泛得多。在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视，并成为驱散中世纪的黑暗，建立新兴的资产阶级文化的重要武器。
新的资本主义经济在封建体制内部的萌芽，必将产生与之相适应的意识形态，引起思想和文化体系的变革。当新兴资产阶级还没有能力建立自己的政权时，为了在物质和精神两方面摆脱封建专制的枷锁，他们首先在思想文化领域进行变革，制造舆论，动摇旧的精神体系，资本主义生产方式的出现，不仅动摇了中世纪的社会基础，也确立了个人价值，肯定了现实生活的积极意义，促进了世俗文化的发展，并在这个基础上形成了对宗教神权文化相对立思想文化——人文主义。
人文主义的特征：首先在于它的世俗性，与封建文化的宗教性质截然相反。人文主义肯定认识生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学对人生谋福利，教育要发展人的个性，即要求把思想、感情、智慧都从神学的束缚中解放出来。因此，人文主义的学者和艺术家提倡了人性以反对神性，提倡人权以反对神权，提倡个性自由以反对人身依附。他们反对宗教禁欲主义和来世观念，歌颂世俗生活，蔑视天堂；主张个性解放，宣扬个人现世幸福高于一切。同时人文主义者睥睨贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，痛斥经院哲学和神秘主义，提倡理性、探索自然，追求科学知识。另外人文主义者还拥护国家集权以利发展经济，反对分裂和外来干涉，要求民族独立统一。
在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。美术已不再是宗教神学的奴仆，在题材上开始描绘世俗的人和人的现实生活，即使是宗教神话题材，也注入了人性和人的思想感情，把神变成世俗的人；在表现手法上提倡面向自然，以造化为师，对自然以理性的解释，引进科学的成就塑造艺术形象，透视学和解剖学成了文艺复兴美术造型的两大支柱，在这一时期的美术家往往是集工匠、科学家、建筑家、画家、雕刻家于一身，这是一个产生巨人的时代，至使无数优秀的美术家宛如灿烂群星出现在欧洲的上空，照亮了历经千年的“黑暗世界”。
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家，在不同地区、不同国家表现的形式也不尽相同，在意大利表现为绘画和雕刻、建筑的成就，而在德国则表现为农民战争和宗教改革运动。
十七世纪美术编辑本段回目录
17世纪的欧洲美术，是以巴洛克风格为代表的多种风格共存并互有影响的时代，所谓“巴洛克”，意大利语义为奇形怪状矫揉造作；葡萄牙语义为形状不规则的珍珠。它是一个贬义词，人们借用巴洛克这个词来嘲弄具有这种风格的艺术。它产生于意大利，尔后影响欧洲天主教盛行的国家，因为它的社会支柱是宗教，可以随宗教的传播扩散到宗教所及地区。巴洛克艺术的主要特征有这么几方面：由于它服务于教会上层和贵族，为了宣扬宗教和满足享乐的欲望，不惜重金建造豪华宫殿、住宅和大量装饰绘画、雕刻，使其显得壮观和华丽。文艺复兴 的美术强调理性的宁静与和谐；而巴洛克艺术则强调非理性的无穷幻想与幻觉，极力打破和谐与平静，在雕刻和绘画中都充满了紧张的戏剧气氛。建筑则体现出丰富多变的构造，饱含激情和强烈的运动感是巴洛克艺术的主要特征。作品中反映出作家内心各种复杂的思想情感，不仅外部形态激动人心，内容也使人骚动不安，形象的运动感是巴洛克艺术的灵魂，它的内容充满激情，而形式又充满激烈的运动感。巴洛克式艺术品给人感觉总在不停地运动着，有着强烈而复杂的节奏旋律，强烈的明暗对比造成动感和不稳定感。在建筑上大量使用曲线和椭圆形。巴洛克艺术很重视空间关系处理，表现出艺术形象的空间立体，绘画依靠光造型，追求空间深度感，建筑和雕刻强调层次和深度，尽量打破平面。巴洛克艺术还强调综合艺术处理，这种综合在总体上有建筑、雕塑和绘画的综合，也有绘画与雕刻的互相综合、造型和环境的综合，也包含自身各部分的综合。因为巴洛克艺术受宗教支持庇护，所以不可避免地充满浓厚的宗教色彩。
巴洛克艺术在不同国家、不同社会背景下的艺术风格各不相同：在天主教势力占统治地位的意大利和佛兰德斯，受到宗教势力支配的罗马巴洛克风格占主要地位；在君主专制、王权至上的法国，古典主义风格为主流；而在资本主义比较发达的荷兰和英国则流行现实主义的市民艺术。
17世纪欧洲美术与文艺复兴时期美术相比，有较大发展和变化：随着近代资本主义国家的逐渐形成，出现了不同的民族画派。文艺复兴时期主要以意大利和尼德兰为主，而到17世纪出现了很多富有民族特色的画派，各派的艺术家，特别重视本民族艺术传统和本土的现实生活反映。由于时代的变迁，人们的审美观念也发生了巨大变化：在文艺复兴时期，主要强调和谐、宁静、理想的美，而17世纪的美术创作，则强调打破和谐，主张真实自然的美，尤其是卡拉瓦乔主义完全否定古典主义原则，追求表现平民生活，从普通人身上发掘美和智慧。在荷兰、西班牙画坛流行画百姓平凡生活和流浪汉，这些下层社会的人物形象，在画家的笔下往往呈现出人的自信和尊严。如果说文艺复兴时代画家把神描绘成人，是一大进步，那么到了17世纪，则是把抽象的人描绘成具体的、个性化的、更有社会特色的人。画家描绘这类人物形象，往往出于自己的进步思想以及对不公平社会的愤懑。在这一世纪里，人和人的生活基本上取代了宗教与神话，而成为绘画中的主体艺术形象。绘画的题材除了人物，还有风景、静物，画家更重视光和色的表现。17世纪欧洲画家也发生了变化，不再是终身服务于教会的工匠，其中一部分走进宫廷，成为国王、教皇的座上客，如贝尼尼、鲁本斯，一生过着荣华富贵生活；另外一种人则走向贫民、浪迹天涯，如卡拉瓦乔等。
总的说来，17世纪的欧洲美术继承和发展了文艺复兴的优秀传统，形成了巴洛克风格，它是这一历史时期的风格主流。与此同时，古典主义和现实主义都放射出自己灿烂的光辉。
十八世纪美术编辑本段回目录
一、罗可可艺术
18世纪的法国艺术随着路易十四去世，路易十五登基进入了一个新的时期。庄严宏伟的古典主义风格开始为一种享乐主义的艺术所取代，这就是罗可可艺术风格，又被人们称为路易十五风格。这种风格的产生，可以说是对路易十四强大的王权统治下的严格的古典主义的反动，这种风格首先表现在建筑方面。
随着“太阳王”路易十四的去世，政治气候变得较为轻松了，不少贵族离开作为朝廷的凡尔赛宫，开始在巴黎修建飘亮的住宅。由于巴黎建造房屋的土地较少，且不规则，建筑师无法在这些住宅的外观上施展更多的才华，他们便在房屋的内部装饰和陈设上大下功夫。尽可能发挥个人的想象力，以亲切和舒适为宗旨创造出一种建筑和装饰上的新风格，这就是罗可可风格。
罗可可(Rococo)是从法语rocalle转化而来的，原意是“贝壳装饰”或“岩状装饰”。它起初是指建筑和室内陈设中的一种装饰风格，后来则泛指18世纪路易十五时期流行于法国、德国和奥地利等国的一种艺术风格。它是一种高度技巧性的装饰艺术，表现为纤巧、华丽、繁琐和精美，多采用s形和旋涡形的曲线。这种风格曾风靡一时，它追求视觉快感和舒适实用，并有排斥和贬低精神内容的倾向。
罗可可建筑以精致的私邸、别墅代替了过去气魄宏伟的宫殿和教堂，以细长小巧的柱子楼梯代替了粗大的柱式和楼梯，总之处处体现出方便、舒适和实惠的特点。在室内装饰和陈设上，起初加以贝壳、石子，以后添上涡形花纹和千变万化的花草纹，多选择艳丽而富有光泽的色彩，喜采用弯曲线条和圆润的转折，排斥水平线，垂直线和直角，还以温暖舒适的护墙板代替了冷冰冰的大理石。罗可可建筑柔媚、纤巧，也显得亲切，更适宜于家庭居室和日常生活。
罗可可建筑的代表作有巴黎苏比斯府的公主沙龙，其中不乏繁琐豪华的各种装饰。
18世纪上半叶的法国绘画，校被称为罗可可式的艳情艺术，它以表现上流社会的享乐生活和优雅女性为主要内容。女性化的审美趣味左右着法国沙龙和路局十五的宫廷，美化女性成为当时独领风骚的艺术时尚。尽管这一绘画风格不免显得娇媚浮华，缺少精神内容和深刻性，但是它以法国式的轻快优雅使绘画艺术完全摆脱了宗教题材，在反映现实生活方面向前迈进了一步。罗可可绘画的主要代表是华多、布歇和弗拉戈纳尔。
华多(Antoine Watteau 1684—1721)生于比利时，后定居巴黎。他在那个装饰风和享乐情绪盛行的年代，创造了一种与之相宜的艳丽优雅和轻松活泼的绘画格凋。他的作品仿佛是梦幻编织成的境界。画面描绘着绮罗遍身、姿容妙曼、仪态优雅的男男女女，他们远离尘世，在永无忧虑的垠苑仙境中野餐舞蹈，谈情说爱。这一切再加上面面上艳丽的色彩和雍容华贵的装饰风格，充分迎合了18世纪法国贵族的审美趣味。画家丰富的想象力，精美的色彩和优雅活泼的造型，使他成为18世纪初最有名望的罗可可大师。不过在华多美妙的画面中常常流露出一点难以名状的忧伤感，这使他的作品超越了单纯技巧性的华而不实的范畴而具有一种深厚的韵味。华多自幼体弱多病，36岁便死于肺病，可能他深知良辰美景转瞬即逝，才在作品中表现出这种持有的意味。
18世纪的法国艺坛并非罗可可艺术的一统天下，也有不少艺术家受到当时启蒙运动的思想影响。启蒙运动是18世纪上半叶开始的反封建思想文化运动。进步的资产阶级思想家狄德罗、卢梭、伏尔泰等人宣扬“自由、平等、博爱”的思想，要求个性解放，倡导用理性衡量世间的一切，用自然科学和人类文化武装头脑。他们猛烈抨击娇柔造做的罗可可艺术，主张用艺术描绘普通人的生活，以理性反对纯感官的刺激。在法国掀起了向荷兰大师的风俗画和静物画看齐的新趋势。在这个艺术的新趋势中表现很最杰出的画家有夏尔丹和格洛兹等人。
夏尔丹(J—B·Simeon Chardin 1699—1779)以擅长风俗画和静物画著称，是18世纪法国艺术界技艺高超，受人尊敬的艺术家。他善于在平凡中发现美表现美，他以精细的观察和虔诚的态度描绘普通人的生活和朴实无华的静物。他的风格画多为小件作品，没有感伤和造作，唯有平凡宁静的生活和事物。他的静物画同荷兰小画派并无多少共同之处。荷兰画家笔下面的是珍肴美食，银盘金盏以及繁杂丰富的物品准砌。夏尔丹则喜欢描绘厨房的一角：铜水箱，几片面包，一块生肉，数个鸡蛋，给人一种朴实的亲切感。他还非常注意这些东西在画面上的构成关系。夏尔丹的油画技法也独具特色，他用厚涂法加强面面的厚重感，注意笔触的运用，色彩沉着稳健，他的画总是显展出一种毫不夸张的真诚感，这种朴实、严谨与真挚的画风与罗可可艺术已大异其趣。．
夏尔丹的主要作品有《餐前的祈祷》、《铜水壶》、《菜市归来》、《勤劳的母亲》(等等。
格洛兹(J·B·Greuze 1725—1805)是最受启蒙思想家狄德罗赞赏的画家，他接受启蒙主义思想的影响，试图借助绘画宣扬资产阶级的道德观念，开创了风俗画的新格调。格洛兹以严谨细腻的画风描绘了许多从伦理道德方面劝解和鼓励世人的作品。这些作品的题材大多来自他的构思和想象，而并非来源于对生活的真实观察，故这些带说教意味的作品尤如露台戏剧，显得比较做作而缺乏真实感。他还圆过许多优秀的肖像和一些表现儿童内容的话。他的作品构图严谨，色彩夸张，形象柔和动人。18世纪70年代以后，由于新古典主义的兴起，格洛兹的声誉才日渐低落。
十九世纪美术编辑本段回目录
在这个艺术高潮中，各种艺术流派或思潮虽有自己的主要特点，我们用各种主义加以区别。但它们有时又相互交织，带上一些新时代的共同特点，表现出不同于往昔的新倾向。只要认识到这一点，我们学习时就不必太拘泥于这些主义和派别的划分。例如新古典主义和浪漫主义、现实主义和印象主义，它们有时并没有什么特别明显的界限，常常你中有我，我中有你。
新古典主义兴盛于18世纪中期，19世纪上半期发展至顶峰。新古典主义一方面强调要求复兴古代趣味特别是古希腊罗马时代那种庄严、肃穆、优美和典雅的艺术形式；另一方面它又极力反对贵族社会倡导的巴洛克和罗可可艺术风格。
新古典主义又不同于17世纪盛行的古典主义，它排挤了抽象的、脱离现实的绝对美的概念和贫乏的、缺乏血肉的艺术形象。它以古代美为典范，从现实生活中吸取营养，它尊重自然追求真实，以及对古代景物的偏爱，表现出对古代文明的向往和怀旧感。
新古典主义不仅表现在美术中，也表现在文学和音乐中，它在法国兴起有其特殊的时代背景。18世纪下半期是法国封建君主制日趋腐败堕落和资产阶级逐渐强大的时期，是两个阶级面临决战的变革时代。1789年法国大革命前夕，资产阶级为取得革命的胜利，在意识形态领域高举反封建反宗教神权、争取人类理想胜利的旗帜，号召和组织人民大众起来为资产阶级革命而献身。为取得这一革命斗争的彻底胜利，首先要在人们的心理上注入为革命献身的美德和勇气，那就是为共和国而战斗的英雄主义精神。古代希腊罗马的英雄成了资产阶级所推崇的偶像，资产阶级革命家利用这些古代英雄，号召人民大众为真理而献身。正如马克思所指出的，他们战战兢兢地请出亡灵来给他们以帮助，借用他们的名字、战斗口号和衣服，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出世界历史的新场面。就在这样的历史环境下，产生了借用古代艺术形式和古代英雄主义题材，大造资产阶级革命舆论的新古典主义。
所谓“新古典主义”，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家主观思想感情，尤其是在社会和个人利益冲突面前，个人要克制自己的感情，服从理智和法律，倡导公民的完美道德就是牺牲自己，为祖国尽责。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美；注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐，同时坚持严格的素描和明朗的轮廓，极力减弱绘画的色彩要素。“新古典主义”的“新”在于借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。因此，新古典主义又称革命古典主义，它的杰出代表是大卫。
19世纪上半叶，法国经过大革命的洗礼后，资产阶级的地位逐步确立，人权思想深入人心。尊重个性、强调自我、注重个人情感成为新的时代风尚。这时尽管新古典主义在艺术界仍占有优势，但它所崇尚的那种不变的美的模式和对客观对象的执著研究，同时代精神格格不入，成为束缚艺术发展的陈腐教条。代之而起的是强调主观情感、追求个性表现的浪漫主义艺术。
浪漫主义不仅在法国出现，它也风行整个欧洲。从18世纪末至19世纪上半叶，浪漫主义同新古典主义一起并行发展，成为一种普遍的文艺思潮，它反映了资产阶级上升时期的意识形态，在文学、艺术、音乐、戏剧等各个文化领域均有所表现。
“浪漫主义”(Romanticism)来源于中世纪的传奇(The romance)一词。最早使用是在18世纪的晚期，当时人们对古代的冒险离奇故事发生普通的兴趣，这些小说几乎都用罗曼语(Romance)写成。以后人们就把那些同传奇故事、离奇遭遇、想象色彩相联系的事统统称为浪漫主义。
浪漫主义通常包含着两个涵义：一个涵义指一种创作方法，它同现实主义创作方法并存，即按照生活应该有的理想化的样子去描绘生活；另一个涵义是指18世纪末至19世纪上半叶盛行于欧洲各国的文学艺术思潮。这儿的浪漫主义主要是指第二个涵义。
文艺复兴时期以来的古典主义艺术经过了几百年的发展，创造出一整套方法和规范，这些规范主要是对外部世界的关注和模仿，对共性的赞赏和颂扬。与古典主义相对的浪漫主义艺术，则从表现客观对象转向了表现人的主观世界，它全力去揭示人的心灵和独特的自我，放弃了古典主义那种普遍而绝对的共同美，去追寻每个人自己内心的理想美。浪漫主义不再把自然作为原型，而是把它作为“假托”，以富于诗意的想象和热情，通过自然形象寄予个人的情感，艺术成为了以个人感情为基础的创造。这种强调主观感情，努力表现人的内心世界是浪漫主义的第一个特征。
浪漫主义并不是一种新的艺术风格，它不像古典主义那样有固定的传统模式，而主要表现为一种思想上的态度和倾向，一些艺术家对官方的正统艺术或公认的传统产生怀疑，认为这些艺术有太多的虚的和假象，带有太多的人工痕迹。他们竭力追求那种自然的、野性的和多姿多彩的境界，总是试图去表现那些不熟悉的、陌生的和新奇的世界，表现异国情调和模糊的幻想，艺术家们从中世纪的传奇故事，从但丁、莎士比亚、歌德、拜伦的文学作品中寻找灵感，醉心于色彩和富于动感的构图。总之，一切能够激发艺术家热情和想象的事物都成为他们创作的对象。这种迫求新奇的思想态度是浪漫主义的第二特征。
18世纪末至19世纪上半叶带有浪漫主义思想倾向的艺术家颇多，如英国的布来克、康斯太勃尔、透纳、弗塞里、西班牙的戈雅、德国的弗里德里希以及法国的席里柯和德拉克洛瓦等。
19世纪上半叶的法国，在新古典主义和浪漫主义艺术兴盛的同时，又出现了关注当代社会问题和现实生活的现实主义文艺运动。
从40年代到70年代，是现实主义艺术大放光彩的时代。哲学上的唯物主义和实证主义出现，自然科学也获得了重大发展。人们开始以冷静的眼光看待现实生活，看待周围发生的一切、冷静务实成为一种时代风尚。这时新古典主义、学院源仍沉浸在对古代英雄的歌颂和对高贵典雅的追求中，浪漫主义则沉溺于中世纪传奇、异国情调和不切实际的幻想。然而这一切都远远脱离时代，与现实生活格格不入。
从19世纪40年代起，艺术中以描绘现实生活为最高原则的现实主义运动出现了，现实主义艺术家嘲笑古典主义的装腔作势，浪漫主义的无病呻吟，认为只有自己才是现实世界的真正代言人，他们在传统绘画题材方面进行了一番革命，当时学院派流行一种观点，认为高雅的艺术应表现高雅的人物。现实主义艺术家则将美术题材扩展到对当代生活的评价，对普通人(包括工人、农民)生活的关切，对大自然的亲切描绘等方面。这种新的时代精神，成为19世纪中叶的一个普通的文学艺术思潮。
现实主义文艺思潮始于19世纪30—40年代的巴比松画派，得名于19世纪50年代的库尔贝画展，它在文学、艺术等诸方面均有着巨大而深远的影响。
现实主义(Realism)也可译成“写实主义”，通常它包含两个涵义，第一个涵义是指文学艺术的一种基本创作方法，即按照本来的样子去描写和反映生活；第二个涵义是指产生于19世纪中叶的一个文学艺术思潮。这里主要是指第二个涵义。
客观性是现实主义艺术的一大特征。现实主义艺术家倡导客观、冷静和真实地去观察和描绘生活．既不像古典主义那样按照美的模式去描绘、加工生活，也不像浪慢主义那样按照主观意愿将生活理想化，而是按照生活本来的样子去真实反映生活，描绘亲切、自然、纯朴的现实。因此现实主义美术主要以当代普通人的生活为主要题材，将普通平凡的题材提高到同历史和宗教题材同等的地位。
现实主义艺术的第二个待征是它的典型性。现实主义艺术不去按照美的模式复制对象，而是对现实生活进行概括和提炼，把许多典型的事件和品格集中起来，造成典型化的形象，使之更集中、更感人，具有艺术的真实感。并对现实中的丑恶加以无情的揭露和抨击。
印象主义是19世纪中叶继现实主义运动之后出现的一个新的艺术运动。一批青年画家探索色彩、描绘瞬间印象，突破了传统的绘画模式和色彩观念，建立起一套新的色彩观和绘画表现手法，并引发出新印象派、后印象派等艺术流派，由此影响到整个艺术观念的转变，最终导致了现代艺术的产生。
印象主义画派是19世纪的重要艺术流派之一，它兴起于19世纪60—70年代，得名于1874年此派画家的第一次联展。19世纪最后30年里，它成为法国艺术的主流，并影响到整个欧美画坛。
如果说文艺复兴是近代绘画的开端，确立了科学的家描造型体系，把明暗、透视、解剖等知识科学地运用到造型艺术之中，那么印象派则是现代绘画的起点。它完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学，它还认识到艺术形式的独特审美价值，在形式方面进行了大胆的探索，为现代艺术的产生奠定了基础。
相对于欧洲传统的古典主义艺术来说，以德拉克洛瓦为代表的浪漫主义可说是第一次革命浪潮，以库尔贝为代表的现实主义可称为第二次革命浪潮，以马奈、莫奈、德加等人为代表的印象主义运动则可称为第三次革命浪潮。印象派画家虽然仍选择了写实主义的描绘方式，但当他们仔细研究了传统的写实法则后发现，传统艺术再现自然的是建立在一个错误的观念之上的。因为传统绘画，不过发现了在人工条件下描绘对象的方法，画家写生大都在室内，主要依靠室内光在物体上产生柔和的明暗变化来画出对象。这些画虽然也有不少微妙的色彩变化，但是这种方法始终是基于固有色的观点来描写对象的。因此总的色彩倾向是棕褐色调。人们也养成了欣赏这种古典油画的习惯，以至很少有人细心去研究在外光下会产生怎样的色彩效果。
印象派画家们肩负起了更新研究光与色彩之关系的历史任务。他们不再依据传统的法则和教条，在受到巴比松画派和英国风景画家户外写生的启迪后，他们大胆地走出画室，面对自然进行写生创作。他们在室外写生后很少回画室再整理，让作品保持室外写生的生动性。而巴比松画派在外写生后，大多是回画室进行创作整理的。印象派画家根据当代科学的发展，了解光的构成，光和色彩的关系，依照自己眼睛的观察去再现对象的光和色在视觉中造成印象。这样，他们在把握色彩方面完成了一次伟大的革命。现在美术院校教授的色彩理论，以及条件色、对比色、色彩三要素等广为人知的色彩知识均派于印象派对色彩的研究成果。
很多人不了解印象派，以为这是一个非常前卫的西方现代艺术流派。其实印象派只是一个同传统艺术一脉相承的画派。因为传统艺术主要是遵循模仿写实的道路发展，印象派并未放弃这个基本点，它的目标不过是更真实地从光和色的角度认识和再现对象。不同之处仅在于传统艺术只注意了对象的明暗关系变化，印象派却研究了光在物体上造成的丰富色彩效果，可以说印象派是传统艺术向现代艺术转折的起点。
19世纪80年代中期，法国画坛上出现了更为新颖的画风，这就是新印象派，人们又称它为“点彩派”。修拉和西涅克是这种画风的代表人物。
新印象派在印象派的基础上发展而来，与其说它是一个画派不如说它是一种独特的画法，即用色点来作画。印象派画家曾经也使用过这种画法，当时只是作为多种画法中的一种。新印象派则是把它提取出来，成为单独存在和构成画面的唯一方法，并将这种画法加以发展，推向极端。他们主张按光谱色和科学原理在画面上排列色点，不调混颜色，以保持色彩的鲜明度，让人眼在视网膜上自己去混合色彩。他们采用的这种色彩原理称为“加法混合”，即色光的混合，用不同颜色的色点并置于画面，这样能增加色彩的光亮度，提高反射率，是一种积极的混合法。而以往的画家在调色板上把颜色混合好再画上画面的方法，则降低了色彩的光亮度和反射率，故称为“减法混合”。新印象派的“加法混合”法并不新鲜，印象派画家大都采用过，只不过印象派画家并未严格理智地去分析和安排色彩，主要依靠个人感受作画。新印象派则把感觉综合上升为理性分析，演变成一种科学表现形式，但却失去了印象派绘画中那种生气勃勃的新鲜感，使他们的作品显得呆板、冷漠。
后印象主义（Post—Impressionism）后印象主义一词最初由英国评论家罗杰尔·弗莱(Roger Fry 1866—1934)于1911年提出，用以指印象派高潮之后在法国出现的一种更新颖的画风。“后印象主义”一词本身的涵义较模糊。Post是英语中的前缀，直译是“……之后”的意思，Post—Impressionism完全没有“后期印象派”的涵义，只能直译为“印象派之后”，但这个译法又不太像一个画派，故我们把它译作“后印象派”或“后印象主义”。这样不但在意义上较准确，也更像一个画派的名称。
后印象派严格说来并不是一个真正的派别，也说不上是一个艺术团体。它主要指印象派之后的一些艺术家，虽然曾经做过印象派的同路人，却走上了一条属于自己的艺术道路。他们的艺术理论和实践都不同于印象派，他们不满印象派过分客观的描绘世界，停留于对物体表面光色的兴趣上。他们主张表现艺术家的主观世界，认为艺术应忠实于个人的感受和体验，无需与客观真实完全一致，应当以艺术家的主观情感去改造客观形象，表现主观化了的客观。至此，一种全新的绘画观念便产生了，可以说现代艺术就发源于这里。多年以来传统的西方艺术都是建立在客观描绘对象的观念上，后印象派则开始从客观描绘转向了主观表现。从后印象派到20世纪初的西方现代派的发展过程可以看到，这一巨大的转变是逐渐完成的。
后印象派主要指塞尚、凡高和高更等画家而言，他们都经过了印象派阶段再走上新的探索道路，但三人表现主观感受和内心世界的手却各不相同。对塞尚来说，主要是物体的结构美；对凡高来说，是寓有激情的线条和色彩；对高更来说，则是象征性的绘画语言和原始感。
现代美术编辑本段回目录
人类社会进入资本主义的发展阶段，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，加速了生活节奏。美术作为商品走进市场，给艺术发展带来激烈的竞争。现代科技的发展改变了人与自然的关系，人类的眼睛延伸到宏观与微观世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认识的新世界。现代哲学直接影响现代美术创造，叔本华的唯我主义的本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。尔后的尼采、弗洛伊德对人的精神领域又作了全面的分析和揭示，又成为现代艺术创造之源泉。柏格森“非理性主义哲学”是对现代工业文明带来的负面和传统价值观的彻底否定和背叛，从此艺术不再是客观世界的反映，而是主观世界的表现。
现代美术的产生和发展是沿着必然规律运行的，西方艺术自远古产生始就注重实用、物质性的再现，经历不同时代的发展和完善，到欧洲文艺复兴时期已达高峰。当照相术发明，再现的写实主义绘画已被摄影部分取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在精神为追求。绘画自产生起就以为别人服务为宗旨，原始社会为实用，后来为神、为人的生活、为政治斗争等服务。西方艺术家宣称他们不再为谁服务，艺术就是为完善艺术自身而独立存在。因此艺术的价值观与传统决裂了。所有这一切都是随着社会发展、思潮的演变，缓慢地由量变到质变的。现代美术的发端是从印象派开始的。
印象派的出现是西方艺术划时代的里程碑。为了表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，它忽视或否定了客观事物的内在本质，更是破坏或放弃了西方几千年完善起来的严谨造型，因此衍生出后来一系列的反叛画家、画派。首先起来与传统决裂的是塞尚，他要创造一种绝对的绘画，它不再是客观事物的模仿，而是注入画家主观解释的永恒性的形体和坚实的结构。同时还有画家高更，他从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画。而荷兰人凡·高用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽烈的思想，他们共同开创了西方现代美术之先河。从他们的理论派生出尔后的众多现代流派。
一部分追随塞尚的画家们确认画面的经营构造是画家的能力和权利，画家是画面的创造者，应该像上帝一样任意去安排画面，形成了以毕加索为代表的立体派。认为绘画不应该作自然对象的奴隶，也不应仅是画面的精心构造，而必须表现画家的心情意志，必须是画家内在情感的外在图像，从而诞生了法国的野兽派和德国的表现派。俄国人康定斯基纵览了这一画坛变化之后认识到，绘画已不是靠着物象的支持，而是靠色彩、线条与形状主宰整个画面，是这些绘画的元素赋予了画面生命与美，是他第一个创造了抽象绘画。上述几个流派都是对艺术作出思考后的探索表现。
当艺术家面对社会和现代物质文明进行思考后，得出的结论是传统已经过时，现代是不完整不健康的，产生了破坏一切、打倒一切的达达派，他们希望在纯粹空白的基础上建立一种新文明。当艺术家面对人生时，人的意识被过多的概念装饰得已经不真实了，唯有潜意识领域才是最真实的领域，这个领域从未被表现过，画家着意于这个精神世界，创造了超现实主义绘画，这种绘画以表现反逻辑常理的物象组合展现一个鲜为人知的潜意识世界。
第二次世界大战后现代美术中心由法国巴黎转向美国纽约，又开始了一个新的探索和创造，更多地是以注重观念改变为特点。50年代兴起抽象表现主义，只重绘画行为过程而不注重画面结果的行为绘画，体现了美国人自由创造的活力。当人们不满于偶然的发泄和主观对绘画的恣意所为，转而崇尚让画面自为地发挥出它的全部潜力，于是就出现了大色域绘画、极少主义绘画、硬边派等，这些艺术多以冷静、简单的大色块布置画面，不掺任何感情的表现。60年代波普艺术登上画坛，首先风行美国，它使艺术与现代文明互相渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，与现代人的生存息息相关。自70年代后，现代美术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现,自此以后再无风格流派可寻，可谓一个人一个派，花样翻新、层出不穷，从此西方美术走进一个远离常识世界的无尽的大千世界。
